El cuaderno de Bandini: Cine

Last but not least...

Tue, 27 Feb 2007 06:32:43 GMT

Los que se han ido

Sun, 29 Oct 2006 09:15:14 GMT

Decía Don Orson (no el jaco de la ininteligible y por momentos también equina pazvega, insigne candidato a Porfirio Rubirosa del nuevo milenio, sino el director-agitador), que para un director de cine, una cámara es como un ojo en el corazón del poeta. Es una buena frase -Welles leía mucho a Shakespeare-, pero en el caso que nos ocupa mas bién podríamos compararla con una parabellum en manos de un asesino en serie. No voy a negarle la lírica a Martin Scorsese, pero la suya es una lírica noqueante, certera y demoledora. Con The Departed (último premio para el mago que ha decidido renombrarla como "Infiltrados"), Martin nos regala y se regala la mejor de sus oficinas, allí donde mejor trabaja: la mafia a pie de calle. En esta terna casi medieval, dos agentes de policía, impulsados por muy diferentes motivaciones, se adentran en una espiral sin salida en la que no hay espacio alguno para la compasión.

Comentaba Scorsese que para está película se ha inspirado en el cine negro de los 40 y en "El Tercer hombre" de Carol Reed, y mas allá del homenaje explícito, el director, cambiando su Nueva York del alma por un Boston-cloaca despiadado donde las ratas corretean por las barandillas de los lofts a plena luz del día, enfrenta a dos antiheroes con el peor de los destinos marcado en su frente: el oficial presuntamente honesto, ambicioso y eficiente -Damon-, corrompido hasta la médula, y el vulnerable, angustiado y amenazado(r) Leonardo Di Caprio -cada día mejor actor-, los dos emboscados en territorio hostil, los dos persiguiéndose y precipitándose a un final despiadado marca de la casa donde no hay espacio para la redención. Scorsese no es Schroder y gracias a ello no le tiembla el pulso para terminar la historia del modo mas abrupto y desolador. Este es un tecnowestern donde las pistolas siguen siendo pistolas y las señales de humo se han convertido en mensajes de móvil, donde las coberturas cobran un papel determinante y la "Patriot Act" encuentra justificación -excelente el reparto, con ese Alec Baldwin siempre amenazante (Kim, lógico que te largaras), un Martin Sheen degradado -de presidente a inspector jefe- y un Mark Wahlberg necesariamente duro y definitivo deus ex machina de esta sombría función.

Mención aparte merece Jack Nicholson; histriónico y desatado, demasiado a mi gusto, firmante de los momentos mas delirantes y extraños de la película -la conversación con Di Caprio en el restaurante, la secuencia en el cine porno, a la "altura" del peor Aranda o Bigas Luna-, pero sin peso para demoler un conjunto fascinante, con momentos del mejor cine de Scorsese, un punto por debajo de Goodfellas y Casino pero con galones del mejor de los cines corriéndole por las venas.

En esta extraña mañana de este extraño primer domingo de hora cambiada, Cat Power se desgañita en mi casa y me asalta -de desgarro en desgarro- el recuerdo de la Isa y el Rufo de "15 días contigo", la joya en forma de opera prima de Jesús Ponce que ayer rescaté en DVD. Cada día tengo mas claro que las cosas mas pequeñas acaban conviertiéndose en las mas grandes (y viceversa) y esta pequeña gran película guarda algunos de los mejores momentos del cine español de los últimos años.

Quizá es precisamente por eso, Isabelita, porque no somos como los demás...

United 93: Ticket to hell

Fri, 25 Aug 2006 21:54:20 GMT

Antes de comenzar y como prólogo, recupero el concepto de horror del coronel Kurtz en Apocalypse Now:

"I've seen the horror. Horrors that you've seen. But you have no right to call me a murderer. You have no right to call me a murderer. You have a right to kill me. You have a right to do that, but you have no right to judge me . It's impossible for words to describe what is necessary to those who do not know what horror means. Horror. Horror has a face, and you must make a friend of horror. Horror and mortal terror are your friends. If they are not, then they are enemies to be feared. They are truly enemies."

"He visto el horror. Horrores que tu has visto. Pero no tienes derecho a llamarme asesino. No tienes derecho a ello. Tienes derecho a matarme. A matarme, pero no a juzgarme. No hay palabras que describan lo que precisan aquellos que desconocen el significado del horror. El horror tiene rostro, y debes hacer del horror tu amigo. El horror y el terror mortal son tus amigos. Si no lo son, entonces pasan a ser enemigos temibles; verdaderos enemigos..."

El horror tiene rostro, según Brando-Kurtz. Los pasajeros del vuelo 93 de la United tuvieron que enfrentarse a el durante noventa interminables minutos y Paul Greengrass se ha valido de ello para firmar un largometraje imprescindible, el primero de los que vendrán, el inicio de una saga que explora el hecho fundamental de nuestro tiempo, el resorte que provocó que todo cambiara y que la humanidad enterrara su inocencia bajo el pánico de saberse vulnerable. Greengrass, que ya había demostrado su pulso narrativo en la segunda entrega de la saga de Bourne, disecciona con voluntad documental el secuestro del vuelo United 93, recreando cronológicamente la sucesión de hechos que terminaron con el vuelo de la United diseminado a lo largo del condado de Shanksville. Partiendo de esa premisa-necesidad, Greengrass entrega el testigo de la narración a gran parte de los verdaderos protagonistas del 11-S, alcanzando en esta valiente decisión conciencia de que abordaba algo mucho mas grande que una simple película. Porque a mi entender, Greengrass ha fotografiado un momento trascendental en la historia de la humanidad, y habiendo tomando conciencia de ello, ha querido que las generaciones futuras reciban la enseñanza de las personas que vivieron aquellas horas en primera persona.

Superado el juicio moral, la película sortea el previsible e inmediato maniqueísmo y se adentra con asombrosa valentía en la explicación pormenorizada de lo ocurrido; no hay espacio para la condena ni el olvido, unos y otros actúan según sus motivaciones, persiguen con ahinco sus fines y terminan devorados por el funesto destino marcado por la voluntad de algunos de cambiar las cosas de una determinada manera.

Entrar aquí a valorar el islam y sus diferentes manifestaciones e interpretaciones se presenta como un esfuerzo baldío; si la película, definitiva en la consecución de sus objetivos, no lo hace, no caeré yo en la trampa. Es evidente que la dialéctica entre el integrismo islámico y las democracias occidentales está condicionando nuestras vidas de un modo complejo y absoluto, pero para esto dejemos que sean los Huntington y los Fukuyama de turno los que saquen las pertinentes conclusiones al respecto. Para nosotros, después de asistir como testigos al martirio integrista y al asesinato de tantos inocentes, sólo nos queda temblar de puro espanto ante el hecho presenciado, sentir como aún sabiendo el destino de los seres que habitan dentro de la película -seres que trascendieron la consideración de personajes-, sufrimos por ellos y nos revolvemos en la butaca con cada una de sus acciones. Es aquí cuando el horror deviene en milagro, y el relato transforma la angustia en un silencio reflexivo. Queremos creer que algo así no va a volver a ocurrír, aunque sepamos que no es así, queremos concederles a los pasajeros del vuelo la posibilidad de que no estén allí, de que se salven de aquel infierno, pero no podemos hacer nada por ellos. Admiramos su valor en aquella frontera de sus vidas, y lloramos con ellos al escucharles despedirse de sus seres queridos (imposible olvidar las llamadas reales de la gente que quedó en las torres y de los pasajeros de los aviones)

La película es humana, real y vigente -esta semana unos británicos boicotearon a cuatro musulmanes en un vuelo entre Málaga y el Reino Unido-, araña nuestra conciencia y duele como un nervio inflamado. A muchos les escandalizará y probablemente su trayectoria comercial será corta, pero no me cabe duda de que el tiempo pondrá a esta obra maestra en su sitio, y se alzará como voz y relato de un tiempo que por desgracia nos está tocando vivir.

A veces, el cine es, mas que un entretenimiento, una necesidad.

Persona de Ingmar Bergman: radicalidad

Sat, 29 Jul 2006 08:53:23 GMT

No se a vosotros, pero a mí el tiempo me hace valorar cada vez mas aquello que se sale del cauce de lo habitual; dentro de este gran río contaminado por el que bajamos todos directos al mar del olvido hay singularidades que consiguen nadar hasta la orilla y elevar su voz irrepetible por encima del rumor de la corriente. No ocurre a menudo porque el río baja fuerte y somos demasiados los que nadamos, pero a veces, como los salmones pero sin ser tan obtusos y obstinados, algunos consiguen "salvarse". Esta reflexión cogida con alfileres viene a cuento de que el pasado fin de semana, el sábado por la noche concretamente, vi Persona de Ingmar Bergman. Si ejercito la memoria recuerdo a mi padre revelándome en clave de confidencia que Bergman era un soba, y la verdad es que con 15 años visionar una película de Bergman es una experiencia insufrible por densa y por lo tanto carente de interés -esto podría demostrar que mi padre nunca abandonó su adolescencia, pero eso es otra historia-. Recuerdo que Fresas Salvajes y El Séptimo Sello me gustaron, pero si mi padre, que me llevó con diez años a ver los dos padrinos en programa doble, decía aquello, aquello debía ser verdad.

Años después llegó un ciclo de la filmoteca y un pase a media tarde de Gritos y susurros, y aún resuenan dentro de mi cabeza los gritos de dolor de la mujer agonizante. Posteriormente alguien me dijo que aquello era una historia de lesbianas, y con ello me quitaron la idea de hacerle una capilla al sueco en mi dormitorio, pero en mi fuero interno sabía que algo ocurría y que Bergman no era un soba.

Y he aquí que el sábado pasado veo Persona, y de pronto, ya sin consejeros, descubro que el sueco es una verdadera maquina de crear -y aquí me descubro ante Fernandito Consuegra, mi compañero de facultad que decía que Bergman era dios, y del que tanto nos reíamos por aquello, ya que sólo reconocíamos como dioses supremos a Spielberg y Billy Wilder (lo siguen siendo)-.

Antes de nada, avisar al personal que Persona es una película difícil de ver, no tanto en su fondo como en la forma y el lenguaje que Bergman utiliza. Previamente uno ha de derribar ciertos muros como espectador, y una vez que se han vencido esas inercias sólo queda lanzarse de pleno a la historia de la actriz y la enfermera que Bergman pone en escena. Viendo Persona, resultan hasta cómicos ciertos clichés culturetas de hoy, como ese de que "Almodovar es un gran director de mujeres"...Bergman si lo es. Tanto Liv Ullman como Bibi Andersson, bellísimas y casi etéreas por mor de la fotografía del mago Nykvist, escenifican un dueto turbador y enigmático en el que la fascinación inicial de la joven enfermera por la espléndida actriz, un personaje en la cumbre de su talento que sencillamente enmudece, se transforma en una necesidad compartida, en un juego de deseo, dolor y frustración en el que uno asiste perplejo al modo en que Bergman explicita el universo que dos personas crean entre si.

Ya el arranque, con el personaje de Liv Ullman enmudeciendo de puro horror vacui, prende en la conciencia del testigo; bastaría con que pensáramos por un momento en ello para que tomáramos la misma decisión que ella. Mas allá de la historia y del modo arrebatador en que Bergman otorga indistintamente la voz y la identidad a una u otra en función de la necesidad de la historia -increíble como Liv Ullman se dirige a su marido bajo la forma de Bibi Andersson- , Bergman utiliza el medio cinematográfico para inyectar distancia entre los personajes y el que contempla; honestamente pienso que la película sería igual de buena sin esos desenfoques ni ese falso quemado de celuloide, pero me maravillo del creador que se atreve a tanto, que intenta transformar el medio para conferir nuevos significados, para transformar lo que cuenta dentro de la persona a quien está contando.

Rebajando el discurso, honestamente me gustaría pasar las noches de sábado de otra manera -esto vuelve a ser otra historia-, pero el 22 de Julio de 2006 ví por primera vez Persona, y como persona que ama el cine, confieso el impacto. Avisados estáis.

P.D-. Parece que Microsoft está canalizando todos sus esfuerzos en tener preparado el Windows Vista antes del Siglo XXII, porque últimamente este espacio y su administrador funcionan rematadamente mal. Este Agosto dedicaré un par de días de mis vacaciones a preparar mi portfolio y migrar este blog allí. Que la fuerza de Wordpress este siempre contigo, Luke.

P.D II-. Bibi Andersson no es nuestro transexual patrio. Aclarado queda.

P.D III-. Atención al pedazo de disco que se han marcado los Muse, la mejor banda del planeta en estos momentos. No te mueras nunca, Matt.

Descubrimientos: Miranda July

Sat, 01 Jul 2006 12:21:04 GMT

Es agradable que le sorprendan a uno; en el trabajo, en el amor, incluso en el videoclub. Tu y yo y todos los demas (2005), como buena opera prima, presenta alguna laguna de ritmo, pero en su conjunto y en un par de momentos arrebatadores se confirma como una de las películas mas estimulantes de los últimos años. Miranda July, su creadora e intérprete, tan bella como ambiciosa, reflexiona sobre conceptos como la soledad, la incomunicación, la ausencia de amor, la mirada de los niños sobre las confusas vidas de los adultos que les rodean, y compone un conjunto a la vez conmovedor y desolador. Su personaje, la taxista de ancianos Christine, intenta sobrevivir en un mundo que le da la espalda, y se entrega con una sobrecogedora vulnerabilidad al hombre de quien se enamora, un empleado de zapatería separado y padre de dos niños que no es capaz de digerir el rumbo que ha tomado su vida.

La historia de amor es hermosa en su imperfección y en su delicadeza, pero quizá el mayor acierto en este trabajo es el modo en que Miranda July observa al mundo infantil, y como este reacciona e interacciona con lo que le rodea -geniales los copiapegas del hermano pequeño en el chat-. Esta nueva creadora sabe mirar, y tiene la poderosa virtud de hacer que lo irreverente resulte conmovedor, de como lo peor de nosotros mismos no es sino la manifestación de nuestra debilidad, del desamparo con la que en muchas ocasiones nos enfrentamos a una vida que no entendemos y que se empeña en transcurrir contra corriente.

Para el que, movido por este post (de los tres que me leéis, al que le toque), se acerque al videoclub a alquilarla, que procure prestarle atención a la secuencia del baile de los zapatos...posiblemente desde Chaplin nadie había sabido expresar tanto con tan poco.

Un talento a seguir la bella Miranda. Menuda mirada.

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Billy Wilder cumple sus primeros cien años.

Sun, 18 Jun 2006 10:24:00 GMT

Faltan cuatro días para el centenario del nacimiento de Billy Wilder (1906-2002). Como ha dejado dicho que no se le moleste, le recordaremos con la emoción contenida que provoca aquello que trasciende sin dejar de ser auténtico, sin perder su raigambre ni separarse de lo real. Ese es un empeño que pocos consiguen y el maestro austriaco es un claro ejemplo de lo posible para un creador con ambición y una sabia mirada hacia la vida.

No me extenderé en biografías, aunque la del maestro sea apasionante, como la de tantos centroeuropeos de su tiempo. Para muchos, creadores como Wilder, Lang, Capa o Nabokov escenifican la grandeza del hombre que se impone al contratiempo; allá donde muchos hubieran tirado la toalla -recordemos que Wilder perdió a toda su familia en Auschwitz-, los elegidos encuentran su verdadero yo, y en ese encontrarse fortalecen el sentido de su existencia. Ese era Wilder, y lo mas sorprendente es que a esto él no le concedía la menor importancia. Tal era su grandeza. Empezó ejerciendo el periodismo en Austria y Berlín, y con la irrupción del nazismo tuvo que emigrar a los Estados Unidos, donde empezó a trabajar como guionista a sueldo en la Paramount; allí conoció a Lubitsch y fué cuando todo empezó. Sorprende leyendo a Wilder en las entrevistas que concedió a diferentes autores tanto la aguda y fina ironía, muchas veces sarcástica y cínica, que aplicaba sobre el cine como industria y negocio -algo que él siempre comprendió a la perfección-, como el inflexible rigor con el que consideraba a varias de sus obras. Resulta sorprendente comprobar como Wilder renegaba de "La vida secreta de Sherlock Holmes", el acercamiento mas riguroso y sentido a la figura del detective; sólo ahí se puede comprender como alguien puede regirse bajo criterios estrictos, y como algunas personas pueden permitirse renunciar a lo que otras siquiera sueñan con alcanzar.

Como valorar la obra de un cineasta que ha parido la mejor película de la historia, la mejor comedia de la historia del cine, la mejor película de cine negro de la historia del cine y la mejor película sobre el cine de la historia del cine, y que resulte que las cuatro sean diferentes. Ya que es imposible abordar algo así con un sentido crítico objetivo y ecuánime -una mosca no puede volar al lado de un airbus-, lanzémonos a esta piscina tan apetecible desde el apasionado y carente de prejuicios trampolín del fanatismo, de la reverencia racional y la emoción mas cálida, porque a Wilder, como a las grandes realidades de la vida, hay que precipitarse sin miedo.

La mejor película de la historia del cine, El Apartamento (1960). No lo digo yo sólo, pero me bastaría con que así fuera; recuerdo, -con su porcentaje de gratitud hacia Gonzalez Macho, el exhibidor que se atrevió a recuperarla y volverla a exhibir en la pantalla grande de los Renoir-, la emoción con que uno se enfrenta a la historia de Baxter y Kubelik, el oficinista trepa y la ascensorista, el amor que unos proyectan sobre otros sin llegar a encontrarse , la metáfora desgarradora de la vida laboral como un cambalache de ascensos y descensos -sabio Wilder al convertir a Kubelik en ascensorista-, la durísima certeza, no exenta de grandeza, de que por mas que un hombre no consiga aquello que se propone, o sea incapaz de conquistar a quien ama, ha de preservar su dignidad, y de que sobre esa dignidad se cimenta el suelo donde hacer pie y comenzar a elevarse. Wilder, en su rol de demiurgo, concede a Baxter el último deseo de ser feliz, la oportunidad de amar a la mujer que ama, de intentar convencerla de que todo es posible; sólo alguien que lo ha perdido todo puede ser tan generoso hacia sus personajes, que a esas alturas son ya mucho mas que eso, han trascendido a su inmaterialidad -como en La rosa purpura de Allen- y viven ya a nuestro lado, en la penumbra mágica que sólo el cine consigue crear. El Apartamento es una obra eterna, que hoy se contempla con arrolladora vigencia; las ciudades están llenas de Baxters que cenan comida congelada, que escurren la pasta en una raqueta, que hacen horas extras para que sus jefes les vean, que se venden por treinta monedas y aman a mujeres que aman a otros. Hasta yo me siento Baxter, aunque no consiga que mi ascensorista juegue conmigo al gin rummy .

La mejor comedia, indudablemente, Con Faldas y a lo loco (1959), y aquí, como antes, es dificil encontrar argumentos que rebatan esta afirmación. Produce escalofrios pensar que en dos años Wilder pariera El Apartamento y Con Faldas, algo semejante a ese Kirk Douglas jugando aquella gloriosa partida a tres bandas en la que alumbró Los vikingos, Espartaco y Senderos de gloria. Con faldas y a lo loco es contagiosa, frenética, triste como todas las grandes películas de Wilder y todas las grandes películas, disparatada hasta el mas completo absurdo, y, por encima de todo, real. Hay en los dos músicos que huyen de la venganza de Botines una reconocible veracidad, una excelente composición de dos buscavidas sin pena ni gloria que malviven esperando nada. Y al indudable acierto de hacer de Lemmon y Curtis -que alcanzó su cumbre allí- factores de la ecuación, Wilder entendió que, a pesar del riesgo, esa fórmula produciría el mejor resultado si como exponente le añadíamos a Marilyn. Y es ahí, en esa decisión y en ese riesgo -trabajar con Marilyn era un asunto peliagudo-, donde Wilder vuelve a demostrar que fue bendecido. Mas allá de todo esto, que decir de la película que no se haya dicho ya, la comedia perfecta, Lemmon, Marilyn, Curtis, Joe E Brown y el final perfecto que paradójicamente decía que nada es perfecto. Un milagro en forma de película, y un salvavidas para el ser humano. El mejor prozac.

El mejor film noir -y aquí acepto el debate-, Perdición (Double Indemnity, 1944), la historia de un agente de seguros que se entrega a una pasión destructora, una historia de amor corrompido y ambición, la mejor historia filmada, según Woody Allen, que de eso sabe un poco. Solamente anotar que ahora se acaba de editar el DVD de la película, con lo cual aquel o aquella que aun no sepan de que estamos hablando que se apresure que no se arrepentirá.

La mejor película sobre el cine dentro del cine, El Crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard, 1950), una película barroca en su puesta en escena, conmovedora en su dibujo de personajes y vitriólica en su descripción de un universo descompuesto y enfermizo. Siempre que veo esta película pienso que David Lynch le debe mucho, el plano inicial de la piscina, tan similar a aquellla secuencia inicial de Blue Velvet en el que un mundo idílico se convierte en un nido de insectos. Como nuevo amor imposible, hay en el personaje de Gloria Swanson algo conmovedor, y uno acaba sintiendo que Holden-Gillis, el joven guionista, merece su destino a causa de su desmedida ambición, y de que él sólo era un pretexto para que la vieja estrella Norma Desmond tenga su postrera secuencia final. Resulta sorprendente el valor de Gloria Swanson para aceptar un papel como ese, y el ojo de Wilder para reclutar a un William Holden felino y con un talento a flor de piel. No hay concesiones en esta película; la vida es así y de nada sirve negarlo.

Podría extenderme mas, porqué quedan El Gran Carnaval -película que hoy debería proyectarse en los consejos de administración de las cadenas de televisión para que visualicen lo que realmente está pasando cuando se deciden a cubrir la agonía de una tonadillera, por ejemplo-, Un, dos, tres, La Tentación vive arriba, En bandeja de plata, Dias sin huella, Sabrina, Traidor en el infierno, Cinco Tumbas al Cairo...

Billy cumple sus primeros cien años, y todos tenemos la certeza de que alguien escribirá sobre él como yo lo hago ahora cuando cumpla sus primeros mil. Gracias a Dios por hacernos la vida mas hermosa, por entender la vida tal y como es y explicarla como lo hizo. Yo no se vosotros, pero este post me ha levantado el apetito, con lo que os abandono para inyectarme en retina un pase doble de El Apartamento y Con Faldas y a lo loco.

Casi nadie es perfecto...y casi nada lo es, excepto Wilder y su cine.

FELICIDADES, VIEJO.

Jo, que noche - Martin Scorsese

Sat, 03 Jun 2006 10:25:04 GMT

Corría el año 1985 y las malas lenguas rumoreaban que Scorsese andaba deprimido por la fría acogida que había recibido su último y valiente trabajo, la última tentación de cristo. Perder la ilusión por lo que haces es jodido, pero si eres Scorsese debe ser bastante peor, ya que lo que él hace sólo lo sabe hacer él; es entonces cuando llegan Griffin Dunne y Amy Robinson con un guión primerizo que narra las desventuras de un tal Paul Hackett, un mediocre oficinista que se ve empujado a vivir la noche mas delirante y tortuosa de su vida por obra y gracia de una mujer -familiar, ¿verdad, chicos?-.

Jo, que noche (After Hours, 1985), parecía un intermedio en una carrera que se dirigía desde Taxi Driver y Toro Salvaje hacia las cumbres de Goodfellas y Casino (¿existirían Los Soprano sin ambas?), intermedio prolongado por el director con la también alimenticia aunque no menos brillante El color del dinero y la fallida Kundun. Vista hoy, After hours trasciende la condición de pasatiempo artesanal para convertirse en una de las cumbres de la filmografía Scorsesiana. Resulta sorprendente como hoy, olvidados ya directores de culto perpetradores de moderneces como Hal Hartley o Alan Rudolph (salvaremos a Atom Egoyan por su dulce porvenir), Scorsese, probablemente sin desearlo, se convierte en paradigma indiscutible de un cine independiente, barato y a la vez poderoso (Los Coen de Fargo, Barton Fink y Lebowski comparten esa característica).

After hours refleja con un acierto pocas veces igualado la neurosis que inunda las sociedades modernas, alimentado por una soledad y una incomunicación que convierte a los personajes-ciudadanos en maquinas de ignorar, en unidades aisladas incapaces de relacionarse con sus semejantes. Impresiona la vigencia que la historia de Paul Hackett conserva en 2006, y en ese sentido guarda parecido con El Apartamento de Wilder -personajes solitarios empujados a enfrentarse a situaciones incontroladas que ponen en peligro su estado de cosas-. Mas que recomendable, necesaria e imprescindible, una joya que hay que recuperar.

Mas allá del After hours y de la despedida a la chipionera (reflexión de los medios y autocrítica ya), en el recuerdo dos hombres de cine que nos han dejado, Paul Gleason, el inolvidable Beeks de la mítica "Entre pillos anda el juego" -pronto un post sobre ella-, y el gran Richard Fleischer, autor de Los Vikingos, entre otras. Hay vida -y muerte- mas allá de la copla. Buen viaje, maestros.

Matrix en versión de Antonio Gimenez Rico

Mon, 27 Mar 2006 08:16:53 GMT

Video de kung-fu que lo flipas nianoniano

Spike, no lo estropees.

Fri, 24 Mar 2006 08:31:08 GMT

SPIKE LEE FILMARÁ LA VIDA DE SCHMELING.

El director de cine estadounidense Spike Lee rodará próximamente la vida del legendario boxeador alemán Max Schmeling, incluyendo el combate con el estadounidense Joe Louis en 1938, según publica el diario 'Die Welt'. "Será una película épica. Imagínese, Hitler, Goebbels, Roosevelt, Mussolini y Lena Horne todos juntos. Ya le digo épica, de por lo menos tres horas, mucho más grande que Malcom X", declaró el director al diario. Terrence Howard encarnará a Joe Louis y Hugh Jackman a Max Schmeling, anunció, señalando que ahora está trabajando en asegurar la financiación de la película. Schmeling derrotó a Louis en un combate en 1936. En la revancha en 1938, Louis noqueó al alemán en el primer asalto.

Good night and good luck

Mon, 20 Feb 2006 21:57:51 GMT

De George Clooney sabíamos varias cosas, que es condenadamente guapo, mal actor -gesticula casi tanto como Richard Gere- y que vive con un cerdo en una villa a orillas del lago Como. Despues de ver su segunda película deducimos que, además de todas estas cosas, nos encontramos ante un creador comprometido que no se arredra ante las circunstancias y filma la peripecia del periodista Ed Murrow, que bien podríamos situar en nuestros días -cambiando el vocablo "comunista" por el de "terrorista" pocos se darían cuenta-. Clooney plantea un film casi documental, duro y sin concesiones, rigurosamente concebido y extraordinariamente interpretado -descomunal Strathairn, como suele ser habitual en él-, en el que observamos como un grupo de periodistas se enfrentan al sistema (corporaciones, anunciantes, senadores, prensa adepta) y consiguen -como bien plasma Clooney en el discurso de Ike que cuela en un determinado momento- caminar erguidos ante la adversidad. En esta historia de honor y compromiso, de ganadores que pierden y profesionales rigurosos, podemos comprobar de primera mano cómo la histeria promovida por ciertos agentes del sistema termina por contaminar las arterias del mismo y amenaza con colapsar un organismo que en teoría y sobre el papel se rige por conceptos que son sistemáticamente negados por semejante paranoia. Hoy no son senadores mesiánicos como McCarthy, son ministros dementes como Calderoni que guardan bajo sus camisas enseñas ofensivas; hoy, como ayer, la libertad de prensa se erige como instrumento y como arma y en virtud de ese derecho adquirido se otorgan derechos de ofensa. Hoy se clama por una nueva cruzada mientras los ofendidos destruyen los símbolos de esa cultura agresiva que desconoce el valor que dice sostener. Es precisamente hoy cuando hemos de entender que nuestra libertad ha de terminar allí donde empieza el desprecio al otro, cuando hemos de aliviar la carga de semejante incomprensión con los medios de los que tan ufanamente nos enorgullecemos. Es la ignorancia del otro -la nuestra de el- el mayor de nuestros pecados; y en este comercio de justos y pecadores, sólo nos queda esperar que la penitencia no sea demasiado gravosa.

Un aplauso para Clooney por sus agallas y su talento.

Brokeback mountain

Sat, 21 Jan 2006 21:52:47 GMT

Lo primero, devolver el afecto a quien se ha dejado caer por aqui; estoy bastante ocupado -necesidades inmobiliarias me tienen trabajando a deshoras-, pero se agradece el interés. Sigo vivo.

La vida no se detiene, y sigue cocinando platos exquisitos; el vibrante concierto de Van Morrison la semana pasada, el taconazo imposible de Guti a Zidane, la verdad contenida en Crash, y hoy, cerrando el círculo virtuoso, Brokeback mountain, el poema filmado de Ang Lee en el que el amor y la libertad son escenificados con una pureza desnuda de retórica.

Hay en esta prodigiosa historia de amor un profundo respeto por la vida, y en su devenir uno no termina de comprender si lo que está viendo es real o trasciende a lo posible. Dos personas encuentran el momento y el lugar -equivocado, según Ennis- para ser ellos mismos y no negarse. La vida empuja y ellos ceden, pero la luz no se apaga, y mas allá del dolor de no tenerse y la derrota que supone rendirse, guardan en lo mas profundo de ellos el cielo y la nieve de la montaña de la espalda rota.

Siempre termina ocurriendo que ha de llegar alguien de lejos para contar America como merece ser contada y como necesita para que todos la amemos como merece ser amada -Fritz Lang o Billy Wilder antaño, Ang Lee hoy-, porque en Brokeback mountain, como en Jeremiah Johnson, el paisaje deviene en personaje, y la naturaleza -que prodigioso modo de transmitirla- cambia el paso para latir al ritmo de estos cowboys de verdad que terminan cediendo para, muy al final, aunque nunca demasiado tarde, vencer a la norma, honrando así el amor que se tienen y jamás se declaran con la fuerza arrebatadora de lo que sólo ocurre una vez en la vida.

Donde la mayoría ve tinieblas, algunos ven luz, y hacia esa luz se encaminan Jack y Ennis, mas allá de las palabras y del tiempo, donde despierta el sol y la nieve se posa, arriba en la montaña.

Cumple tu promesa, Ennis.

Como diría Garci, que grande es el cine. Gracias a quien me enseñó a amarlo.

King Kong, de Peter Jackson.

Thu, 15 Dec 2005 00:00:17 GMT

Hago mías las palabras de Boyero hoy en su chat del mundo, refiriéndose a la monumental película de Jackson; hay en esta película un indisimulado y muy generoso acto de amor ya no sólo para con el cine, sino también hacia el mismo hecho de contar historias. Basta observar en la película el modo en que el grumete Jamie Bell devora a Conrad, o la manera pormenorizada en que Jackson presenta ese Nueva York deprimido de los primeros años treinta, para darse cuenta que el australiano es el tusitala de hoy, el contador de historias que, a la manera de un Stevenson entreteniendo a los nativos, sabe emocionarnos y implicarnos en un mundo que se edifica desde la nada y que cobra vida ante nuestros ojos.

También, y esta es una apreciación personal, King Kong, como historia y en cada una de sus diferentes versiones, representa, mas allá de su condición de espectáculo, un reflejo de la sociedad durante el tiempo en el que se crea y consume tal espectáculo. Jackson dibuja una ciudad de Nueva York mortecina y consumida, donde la gente no tiene nada que echarse a la boca, un cosmos despiadado donde los personajes, todos bohemios, unos con el corazón mas en tinieblas que otros, malviven escapando de las pesadillas que viven a diario. Es posible que estos días que nos ha tocado vivir, tan oscuros a pesar del aparente bienestar, se asemejen a los días posteriores al crack de Wall Street.

Mas allá de estas cavilaciones sin sentido, la película, excesiva y visceral como pocas, desnuda la historia de siempre y la reviste de un halo de romanticismo que se extiende por todos sus rincones; en los personajes, en el propio sentido de la aventura, en la fascinación de la mirada -bellisima la secuencia de la puesta de sol-, o en el propio dibujo del monstruo. Podríamos asegurar que el Conan Doyle del mundo perdido, el Stevenson de La isla del tesoro o el Poe de la narración de Arthur Gordon Pym se rendirían ante el desfile de marinos, grumetes, guionistas idealistas, actrices sin suerte, directores despiadados, indígenas hostiles, larvas, lampreas, brontosaurios y vampiros de siete leguas. Es esta hipérbole tan bien medida y tan sabiamente entregada la que conforma una experiencia única, en la que, a pesar de ciertas licencias -cómo es posible que amanezca tan rápido en la parte final de la película, porque hago las cuentas y no me salen las horas-, uno acaba rendido y entregado.

Dejo la zona de comentarios a vuestra disposición para que nos hagais saber si ando en lo cierto o, como casi siempre, me dejo llevar por el entusiasmo. Lo que si parece una obviedad es que Peter Jackson, con sus 20 millones de dólares y su 20% de ingresos de taquilla, se va a hacer mucho mas rico de lo que ya es, y que pocos se van a quedar sin pasar por caja. Al menos en este caso el motivo es justificado.

Saraband, de Ingmar Bergman

Sun, 11 Dec 2005 11:16:44 GMT

Ingmar Bergman es consciente de que llega el momento de hacer balance y prepararse para el último salto, el definitivo. Con 87 años escribe y filma su reflexión al respecto rodeandose de sus actores-fetiche, unos extraordinarios Liv Ullman -prodigiosa- y un Erland Josephson hiriente y humano. La película, grabada en video digital para la televisión sueca, pone en manifiesto el complicado mapa moral por el que nos guiamos las personas, desnudando interior y fisicamente a una serie de individuos dominados por un pasado que nunca deja de pasar factura. Es quizá la Marianne de Liv Ullmann el personaje mas libre y limpio en la madeja de culpas y reproches que enreda a la familia de un Johan mentiroso, por momentos vil, lacerante para con los suyos, pero con un fondo de desamparo que Marianne siempre observó y amó. El centro argumental se deposita en Karin, la nieta de Johan, que se debate entre la necesidad de dar inicio a su vida como mujer y como chelista, y la idea atormentadora de abandonar a su débil padre Henrik, hijo de Johan, hombre a la deriva tras la muerte por enfermedad de su mujer, la recordada por todos Anna. Es quizá el personaje ausente de Anna, solo a medias revelado, el motor del desprecio que padre e hijo se profesan -los dos la amaban-, y es la angustia de Henrik ante la inminente soledad por el abandono de su hija lo que le lleva a "secuestrarla" en un infierno en el que el incesto planea amenazante.
En todo caso, esta obra ha de ser visitada con conciencia, sin dejarse llevar o esperando un entretenimiento amable y despreocupado; la letra de Bergman es sinuosa y a veces ilegible, pero en su dictado, si se es paciente, uno encuentra una lección de vida descomunal.

Una historia de violencia, de David Cronenberg.

Sat, 10 Dec 2005 15:16:14 GMT

David Cronenberg, al igual que David Lynch o en menor medida Neil Jordan, siempre ha gustado de cultivar una mirada oscura y perturbadora sobre las historias que maneja; si Lynch mira al suelo y encuentra orejas, Cronenberg mira a las personas y observa procesos, mutaciones, alteraciones de lo habitual que se manifiestan como secreciones de un espacio interior contaminado. Desde sus inicios con las entrañablemente primerizas "Vinieron de dentro de" y "Videodrome", Cronenberg ha estudiado al ser humano en su vertiente mas kafkiana; La Mosca, Inseparables o Crash incidían en esa línea. Con "Una historia de violencia", el director canadiense consigue limar -solo limar, ya que lo horrendo sigue presente- su afición por lo monstruoso y se centra en la peripecia de un hombre en apariencia normal que ha de enfrentarse a un pasado que creía -y quería- enterrado para siempre. Hay en esta película, una de las mejores del año sin duda, una pausada reflexión sobre la heroicidad y la cotidianeidad, sobre lo que uno parece ser y lo que uno realmente es -en la linea del mejor Eastwood en Sin Perdón-, sobre el destino que late dormitando y termina despertando y arrastrando todo consigo y tambien sobre la necesidad de aceptar la vida en su totalidad.

En esta película en apariencia tan rupturista con la trayectoria de su autor, la violencia y el sexo son mostrados con un realismo descarnado y una ausencia de retórica que paradójicamente los convierte en metáforas. Ed Harris despliega su talento descomunal y el resto del reparto se defiende con profesionalidad -muy bien Maria Bello, aceptable Viggo intentando desprenderse de ese Aragorn que le va a perseguir siempre, mucho peor un William Hurt tremendamente sobreactuado, único lastre en mi opinión de la película-.

Sólo me queda, esperando no haberle reventado a nadie la historia en caso de no haberla visto, recomendaros encarecidamente dedicarle un par de horas a esta historia de violencia.

El Método, metáfora del sistema.

Sun, 04 Dec 2005 13:51:05 GMT

El Método (Marcelo Piñeyro, 2005), basada en la obra teatral de Jordi Galcerán y avalada por un grán éxito de crítica y público en su andadura por los escenarios de medio mundo, llega a las pantallas y se postula como una de las propuestas mas estimulantes del cine español de los últimos años. La premisa es de todos conocida, y no corresponde extenderse aquí en ella mas allá de la recomendación; un grupo de personas de diferente perfil embarcados en un proceso de selección para un puesto directivo; una concepción despiadada del mundo laboral y una ventana orientada hacia lo peor de nosotros mismos. Lo mejor de la historia, mas allá de los giros, las trampas y algunas excelentes interpretaciones -que buena actriz es Adriana Ozores, de casta le viene al galgo-, es la pregunta que emerge al terminar la película: ¿Que haríamos nosotros en el lugar de ellos y qué estaríamos dispuestos a hacer por un trabajo de semejantes características -y a cuanto renunciar-?.

Recomendable, y mas por ser de aquí. Vaticino versión USA en un par de años.

French connection

Thu, 24 Nov 2005 23:21:56 GMT

Sin comentarios (30 megas de descarga y plugin Quicktime instalado): http://www.dvblog.org/movies/10_05/rendezvous.mov

Plan de vuelo; todos a bordo

Sun, 13 Nov 2005 10:10:39 GMT

Recuperando el pulso de las mejores películas de género de los últimos años -Cellular, El sexto sentido,

Breakdown, Sospechosos habituales o la bilogía de Bourne-, la historia propone la pugna de una mujer por seguir confiando en lo que cree y ve. Mas allá de la excelente interpretación de la Foster, que se echa la película a la espalda y tira con convicción, y el buen elenco de secundarios -Un Sarsgaard con una caida de ojos reveladora y un Sean Bean madurando bien e interpretando con oficio-, la historia, que evidentemente pone trampas a lo largo del metraje, -algunas mas afortunadas que otras- como toda buena película de género, sabe girar argumentalmente de dirección con contundencia. Absolutamente destacable la labor de este director alemán en la realización, con gran variedad de registros, desde la ambientación inicial fantasmagórica a la vibrante realización en los entresijos del avión en la segunda parte de la película.

Un acierto de película, personalmente de las que disfruto con deleite en un cine.

Match Point. El señor del anillo o como parecerse a Patricia Highsmith y no morir en el intento.

Sat, 05 Nov 2005 16:48:55 GMT

Si alguna pega se le puede poner a esta película es que se sale con la sensación de que lo que te han contado ya lo has visto antes. Aun así el gran Woody se marca una película de las de antes. No voy a contar demasiado porque así dejaré que seais vosotros los que os sorprendais como yo lo hice. Para conocedores, y en complicidad con quien sepa del asunto, o con quien ya la haya visto, podremos aceptar que el protagonista bien podría haberse llamado Tom Ripley y la película A Pleno Sol -con reminiscencias de Delitos y Faltas-. Scarlett literalmente resplandece -su escena de presentación recuerda a la de Lana Turner en El Cartero, mujeres así sabes que terminan conduciendo a cualquiera a abismos infranqueables-, Jonathan Rhys-Meyers borda su papel de arribista y el retrato de Allen de la familia que acoge a nuestro tenista trepa es preciso y agudo -Los gin-tonics de la madre, esos desayunos donde nada se dice porque nada hay que decirse-.

El maestro ha vuelto, y aunque ya no necesite ser original, tiene nuestro aplauso. Absolutamente recomendable.

La novia cadaver de Tim Burton

Sun, 30 Oct 2005 22:15:39 GMT

Descubrir a estas alturas a Tim Burton no tiene ningún mérito; autor de algunas de las últimas obras maestras del cine norteamericano -Eduardo Manostijeras o Ed Wood-, y poseedor de un talento y una sensibilidad descomunales, estrena su "Novia cadaver" recuperando el aroma de aquella "Pesadilla antes de navidad" que tanto gustó. Defensor de la clásica técnica de animación "stop-motion", llevada al límite expresivo por el gran -y homenajeado en la película- Ray Harryhausen, Burton vuelve a desplegar su inmenso arte y situarnos en un mundo fantástico donde lo irreal se hace cotidiano y lo horrendo entrañable. Un cuento gore apto -y necesario- para todos los públicos, en el que la muerte se convierte en un escenario apetecible donde esqueletos, miembros cercenados y finados de toda índole comparten una "alegría de morir" contagiosa.

A mi particularmente no me hubiera importado que la novia corrompida me hubiera agarrado del brazo y hubiera soltado un sonoro "Hopscotch". A fin de cuentas, en ella y en su conciencia agusanada se esconden mariposas...

Si dais algun crédito a mi criterio, no os la perdais bajo ningún concepto. Una obra de arte -y no abundan-.

Paradise Now

Sat, 15 Oct 2005 08:08:57 GMT

Es una pena que el sueño y el peso de la semana le hagan a uno tan vulnerable a las embestidas de Morféo, porque en otras circunstancias hubiera disfrutado mas esta película palestina llamada "Paradise now" -El paraíso ahora- y que describe las 48 últimas horas en la vida de dos hombres-bomba palestinos. En mi concilio de amigos cinéfilos hubo división de opiniones y yo no podía manifestarme con autoridad debido a mi lamentable somnolencia; en todo caso, la película, que guarda interés, muestra con crudeza el problema palestino y el estado de desesperación a que se ven abocados en su lucha contra Israel. Descarnada en lo moral -plantea la necesidad del terrorismo como última vía, argumentando todas las posiciones en boca de sus personajes-, la obra pone ante nosotros una realidad cruda e inmisericorde: ¿quién se negaría a un prometido paraíso inmediato y la escolta de dos ángeles ante la desesperación cotidiana?.

Dadle una oportunidad.

Vibrante Cellular

Tue, 11 Oct 2005 23:34:02 GMT

Hoy me acerqué al videoclub antes de llegar a casa y me hice con un dvd de una película de la que había oido hablar bien, Cellular, interpretada por Kim Basinger. No le arruinaré la experiencia a nadie, pero si que admitiré que hacía mucho tiempo que no veía un thriller tan bien construido, tan urdido, crispado, tramposo -y como nos gusta que nos hagan trampas en el cine-. Todo un gustazo en este martes que pareció un viernes.

Buena fiesta del pilar.

El espacio entre dos miradas, un pequeño homenaje.

Wed, 22 Jun 2005 22:38:58 GMT

Dicen que en el espacio comprendido entre dos miradas ocurren cosas impensables. Yo cuando veo esta imagen no tengo la menor duda de ello.

Como me gusta esta foto y que bien me siento contemplándola.

La mejor juventud, cine milagroso.

Wed, 22 Jun 2005 00:18:43 GMT

Mucho se puede decir de esta película-río italiana que se ha ganado un puesto perenne en la cartelera madrileña a fuerza de ser recomendada. Por momentos deudora del mejor Visconti, el de Rocco y sus hermanos, siempre caminando por la cuerda floja del sentimentalismo sin perder nunca el equilibrio. Hay en ella el aroma de la verdad incontestable, nada es aleatorio ni superficial, el dolor empapa y la alegría se contagia, y el amor late con una hondura perenne en el corazón de estos personajes que se ganan a pulso la categoría de personas, de amigos, de iguales.

No voy a desenmascarar el argumento de la película, pero, como si de un milagro dreyeriano se tratara, la gran herida que durante toda la película se ha ido abriendo sana gracias a una doble caricia del alma, y es allí donde todo cobra sentido, es entonces cuando se entiende el interés de Giorgia porque Nicola hable con la autora de la foto de Matteo, es allí donde las soledades se encuentran y se despiden de sus propietarios, es allí donde empieza el ser feliz de nuevo. Que secuencia mas hermosa.

El círculo se cierra con una sencillez pasmosa, y mientras las lágrimas le caen a uno en aguacero se tiene la certeza de que la película ya no es película sino un pequeño milagro. Son seis horas, si, pero una de las secuencias de amor mas hermosas del cine de los últimos años merece haberle dedicado estos 360 minutos.

El rey Arturo sin grial, como debe ser.

Sat, 11 Jun 2005 11:52:22 GMT

Por más que en "El hombre que mató a Liberty Valance" se dijera aquello de que "...cuando la leyenda supere a la verdad, imprima la leyenda...", es agradable encontrar en “El rey Arturo”, la película de Antoine Fuqua, un retrato ajustado del verdadero Artorius, con el que poder entender la figura en su auténtica dimensión histórica -que fue grande-.

La película en si me sorprendió gratamente, con secuencias realmente conseguidas -el exterminio de la avanzada sajona al traspasar el muro, la crudeza de las batallas, ese aire coral del desconocido reparto, Clive Owen que se come la pantalla-. He leído críticas demoledoras contra ésta película, pero creo que merece la pena darle una oportunidad.

De todos modos, y sin desmerecer la realidad histórica, Excalibur solo hay una, y la belleza de la leyenda merece que ésta perviva y que incluso se imponga (sólo de pensar en los remeros encapuchados llevando al herido de muerte Arturo a su morada final en Avalón se me abren las carnes)

Jesse y Celine

Fri, 10 Jun 2005 08:14:05 GMT

Desconozco como aguantarán el paso del tiempo las dos películas de Richard Linklater, y también intuyo que algo nos tendrán preparado director e intérpretes en un futuro -una buena posibilidad, dentro de diez años, sería que ellos vieran como se rompe su matrimonio por la muerte de un hijo y como al final su amor vence el contratiempo-.

Lo que si he sentido siempre viendo estás películas es una conmovedora identificación con todo lo que en ellas sucede. En su devenir, marcado por la palabra y el continuo diálogo, en el transcurso de las pequeñas cosas sucediéndose, en las miradas furtivas aprovechando el descuido del otro, en la impresión que un momento extraordinario puede dejar en un lugar concreto -fascinantes los planos finales de la primera, en los que observamos a Viena desperezarse mientras la luz del amanecer baña los lugares en los que Jesse y Celine han aprendido a amarse-.

Se que estas películas tienen grandes admiradores y furibundos detractores. Yo os las recomiendo ahora que han salido en un pack doble en DVD. Ya me contaréis.

Buñueladas

Thu, 09 Jun 2005 09:57:35 GMT

En un punto de sus memorias, Buñuel habla de un amigo suyo poeta al que conoció en Madrid, Pedro Garfías, que podía pasarse perfectamente 15 días buscando el adjetivo perfecto para su poema. Cuando se veían por la calle, Buñuel saludaba a su amigo y le preguntaba:

-Pedrito, ¿encontraste ya ese adjetivo?.

A lo que el poeta respondía mientrás se alejaba con aire pensativo:

-Sigo buscándolo.

En otro punto del libro, Buñuel responde a una de las encuestas que tanto gustaban de hacerse los surrealistas, en este caso relativa al amor, y que preguntaba: "¿qué esperanza pone usted en el amor?:

-Si amo, toda la esperanza. Si no amo, ninguna.

Para Anne

Wed, 08 Jun 2005 10:34:54 GMT

And here's to you, Mrs. Robinson
Jesus loves you more than you will know (Wo, wo, wo)
God bless you please, Mrs. Robinson
Heaven holds a place for those who pray
(Hey, hey, hey...hey, hey, hey)

Berlin Occidente de Wilder esta noche

Tue, 24 May 2005 12:28:15 GMT

A quien corresponda, me ha llegado el aviso de que esta noche a las 24h en el canal Hollywood -a quien lo disfrute-, dan "Berlin Occcidente" de Wilder. Quien pueda permitirse el trasnoche, ya lo sabe...

Omagh, la película.

Mon, 23 May 2005 22:29:55 GMT

Omagh fue para los norirlandeses algo similar a nuestro 11-M. Se acaba de estrenar una película que narra con buen pulso y sin alardes tanto el momento del atentado como la lucha de las familias de los afectados para que se reconociera que determinados factores estaban condicionando la investigación. La interpretación de los actores es creible y por momentos llega a emocionar, y la narración fluye sin fisuras hacia un cauce que revela a todos que detrás de una acción terrorista hay muchas mas cosas que una simple acción terrorista.

Sinceramente, es una película que deberían ver todos los Zapateros, Rajoys, Carodes y resto de personajes con mano en la política española. Y como ejercicio cinematográfico puede servir como avance para la película que el cine español debe hacer algun dia sobre nuestro infausto 11 de Marzo.

En todo caso, mi amigo Alfonso se ha desmarcado con 4 estrellas sobre 5, calificación a mi modo de parecer excesiva para una buena película pero sin demasiado genio. Yo le he cascado dos estrellas, y media mas para contentar a mi colega ;-).